设计，让协作成为网络

把“共同体”这一概念放在今年的CIFF当代设计展的语境里理解，首先要看到它回应的是行业中的几重结构性错位。

其一，是设计与产业之间的错位。长期以来，中国家居行业并不缺创意，也不缺制造能力，真正稀缺的是两者之间稳定而有效的转译机制：设计师的构想未必能顺利落地，成熟工艺也未必能转化为具有审美和品牌附加值的产品。其二，是品牌与市场之间的期待错位。用户对家的期待已经从单一功能满足，转向功能、情绪、健康与长期价值并重，但不少产品仍停留在风格化表达或单点创新上，难以回应更复杂的生活场景。其三，则是行业生态内部的协同错位。设计、制造、流通、内容与研究往往各自为战，缺乏协同意识，也因此难以形成真正有韧性的系统。

在这样的背景下，“设计共同体”的提出，本质上是一种结构性修正。它意味着展会不再只是展示结果，而试图介入过程；不再只是聚合品牌，而更强调让不同环节之间发生有效关系。所谓共同体，不只是让更多角色站到同一个场域里，而是让它们彼此成为条件：设计需要制造的验证，制造需要设计的激活，品牌需要用户经验的反馈，而行业则需要文化与价值层面的持续支撑。

2020年，中国家博会（广州）开创性地发起“CIFF当代设计展”，如今已到达了第六个年头。如果说过去几年，CIFF当代设计展持续强调“设计引领”，那么今年更进一步的问题是：设计如何不再停留于孤立表达，而真正进入系统之中？从这个角度看，“设计共同体”并不是要求所有品牌走向同一种答案，而是在不同路径中寻找共识。

因此，Wallpaper*中文版对话七个具有代表性的品牌，在他们的实践中，我们看到的，恰恰不是整齐划一的方法论，而是三种具有代表性的探索：他们或试图建立可持续生长的系统框架，或重新激活制造与工艺的设计价值，或在文化与生活观层面，为行业提供更深层的精神坐标。

在“设计共同体”的语境里，系统化首先意味着一种思维方式的转变：品牌不再把产品视为孤立存在的单件，而是把它放回更复杂的生活场景、生产逻辑与长期使用关系中重新理解。比起推出一件足够吸睛的新作，更重要的是建立一套能够不断延展、适配变化，并与空间、制造和用户经验发生持续联系的框架。系统不是为了把生活标准化，而是为了让设计从一次性表达变成一种可持续调用的能力。

历经18年进化，如今的HC28 maison，将HC28、都汇里、HC28 SPACE定制系统与HC28 Café作为品牌旗下四大系列协同发展，共同构建涵盖高端家具、空间定制、场景体验与生活方式提案的整体品牌生态系统。HC28 maison的实践，更接近从“生活方式”反推出来的设计系统：它关心的不只是单件家具如何成立，而是今天的人如何在一个空间中工作、收纳、交流、独处，活动家具、定制系统与空间结构如何共同回应这些不断复合的场景。

品牌这次提出“生活即场景”，将家作为一个整体去考量与设计，实际上已经将观察重点从产品本身转向生活结构本身：活动家具不再只是空间中的可移动对象，定制系统也不只是储物工具，它们共同构成了一套更完整的居住组织方式：什么被展示，什么被隐藏，什么可以灵活切换，什么需要长期稳定，设计在这里承担的是编排生活秩序的角色，而不仅仅是提供形式感。这样的思路之所以重要，在于它不再把“系统”理解为工业意义上的标准化，而是理解为一种对真实生活复杂性的主动回应。

此次参展的“雅格系统定制柜”具有一定的代表性，它不是一件孤立的产品，而是一套可以嵌入客厅、书房、甚至开放式空间的系统化解决方案。它通过模块化逻辑满足收纳、展示、影音、小酌、阅读、轻办公等复合场景需求；在比例上做了有意识的留白，在材料上保持克制与质感的平衡。

锐驰提供的，是另一种更克制、也更具有方法论意味的系统思维。它并不急于把系统做成“大而全”的生活解决方案，而是更关注一种能够不断生长的结构语言。

本次参展的X System模块化系统，是品牌与设计师蔡烈超合作研发的成果，也是这种语言的集中体现：当品牌希望在产品体系中增加储物系统，又不想简单卷入传统定制化竞争时，它选择从“模块”切入，围绕点、线、面之间的连接关系，发展出一套以X截面铝型材为核心的系统逻辑。这里的关键并不只是技术，而是观念——系统既是解决方案，也是边界；它通过限制建立秩序，同时又在秩序中保留开放性。X结点的视觉清晰度、铝挤压工艺带来的轻盈与环保、以及其可延展到展陈和办公场景的普适性，都让这个系统不只是一组家具部件，而更像一种可被不同空间调用的基础语法。展会结束后收到大量关于展陈应用的邮件，也恰恰说明它的价值已经超出单一产品本身。

更值得注意的是，锐驰并没有把系统理解为纯技术问题，而是始终把它置于设计文化的脉络中。品牌与阿尔瓦罗.西扎(AlvaroSiza)、张轲等建筑师合作形成的Academy Collection “学院系列”，本质上是在证明：家具不只是消费品，也可以成为设计思想进入日常的媒介。今年“重返模型之家”的展览主题，借用了伊姆斯夫妇1950年代未曾投产的Revell Toy House原型，以标准化构件与模块系统重构一种可组合、可生长的居住模型，再把中国院落的空间精神和AI互动机制引入其中。这使得展厅本身也成为一个论点：今天我们还需要更多家具吗，还是更需要一套重新组织生活的轻量系统？正如品牌负责人告诉我们的那样，“市场不缺物资，家里不缺家具，我们一直在思考：在这个共同体中，我们需要做什么，应该做什么”。

HC28 maison与锐驰的实践，代表了这一路径中的两种不同取向。它们虽然“语气”不同，却都在回答同一个问题：当设计进入存量时代，品牌还能提供什么？答案不再是“再做一件新产品”，而是建立一种更有结构的关系，让设计真正成为空间、制造与生活之间可以持续运转的中介。

如果说系统化品牌强调的是框架，那么另一条同样重要的路径，则来自那些以制造能力起家的企业。它们未必先拥有鲜明的设计话语，却在长期的材料研究、木作经验和生产体系之中，逐渐形成了自己的设计逻辑。对这些品牌而言，工艺不只是执行设计的手段，而是设计本身得以成立的基础，甚至反过来塑造了设计语言。

南洋迪克的特别之处，在于它始终围绕“木”建立自身。从“实木制造”到“实木品牌”，再到“高端实木生活方式引领者”，品牌的几次转向看似是在升级定位，但其核心其实从未离开过对材料本身的理解。木材在这里并不是等待被造型征服的原料，而是一个需要被尊重、被倾听、被细致研究的对象。树种差异、纹理走向、温湿度变化下的伸缩反应、结构稳定与触感之间的平衡，这些都不是技术细节，而是决定设计是否成立的基础条件。某种意义上，南洋迪克的“设计感”并不来自强烈的外在风格，而来自一种对材料秩序的克制——它不急于用设计去压过木材，而是通过设计把材料本身的品质和情绪释放出来。

这也解释了为什么本次展出的“领见生活”系列，重要的并不只是几件新产品，而是品牌如何借由展会把自己的制造逻辑做一次拆解式呈现。今天很多品牌都在谈设计升级，但真正能把设计与制造无缝打通的并不多。南洋迪克的价值恰恰在于，它具备把复杂设想转化为稳定品质的能力：柔性制造、全产业链整合、对材料和节点的长期训练，使得“设计”在这里不是悬浮的概念，而是可被重复验证的结果。也就是说，它所提供的不只是产品，而是一种让设计可靠发生的土壤。在“共同体”语境里，这种品牌像一种低调但关键的基础设施——它不一定声音最大，却决定了整个系统能否真正运转。

与南洋迪克相比，前进所代表的则是另一种更具手工温度的制造路径。它同样从工艺出发，却更强调经验判断与现代生产之间的并置关系。也就是说，它不是简单地从传统走向工业，而是在不断寻找两者的最佳交点：哪些部分必须依靠机器的精度，哪些细节仍然需要人的手感与经验来决定；哪些工序适合标准化，哪些部分必须保留材料与结构之间的微妙分寸。这样的品牌，往往不会用太多激烈的话语来定义自己，但它们的产品里会有一种很稳定的“分寸感”——看似轻，实则稳；看似自然，背后却是极其缜密的工艺支撑。

这种分寸感，其实也是今天行业里越来越稀缺的能力。在消费端，用户越来越容易被“新鲜感”吸引；在品牌端，则越来越容易把创新理解为外观差异或概念叠加。但前进这一类品牌提醒我们，真正的设计不只是创造新的视觉刺激，更是把材料、结构、使用方式和时间维度同时考虑进去。它们提供的不是一套风格标签，而是一种沉稳的可信度：产品为什么耐用，为什么顺手，为什么比例恰到好处，背后都依赖长期积累的工艺经验。

这类从制造出发的品牌之所以值得被重新看到，是因为它们恰好承担了共同体中最容易被忽略、但又最不可或缺的角色：翻译者。它们能够把设计师的想法翻译成可实施的现实，也能把用户日常生活中的真实问题翻译成设计议题。在一个讲求协作的行业里，这种“翻译能力”比单纯的概念生产更有重量。

如果说前两条路径主要围绕系统和制造展开，那么第三条路径则更接近品牌之所以存在的根本问题：除了生产产品、组织空间、回应市场之外，一个品牌还能为当代生活提供什么？在越来越趋同的风格景观中，真正让品牌被记住的，往往并不只是功能差异，而是它是否拥有清晰的价值观，是否能在产品之外，提供一种看待生活的方式。

巴博罗是其中非常鲜明的一个例子。品牌的名称源于艺术大师毕加索，创始人把“PABLO”拆解为 Passion、Art、Better、Luxury、Originality 五个关键词，几乎像在为自己建立一套内部信仰系统。这个动作本身就很说明问题：它不想把自己定义成单纯的家具品牌，而更想被理解为一种由价值观驱动的文化型品牌。热情、艺术、突破、奢侈、原创，这五个词语的组合，呈现出一种相当完整的品牌世界观：热情意味着投入和生命力，艺术意味着共同的审美基础，突破意味着对既有边界的持续冲击，奢侈不再是外在材质，而是“能够做自己”的自由，原创则回到最根本的真实需求。

这种价值观并不是停留在口号层面，而是被转化到了具体产品与空间实践中。“风之意境”岛屿沙发来源于对年轻人生活状态的观察：正式的居家空间难以让人真正松弛，于是品牌从海边的风、浪、气息中提取一种更轻盈、更治愈的生活想象。这个系列的意义，不只是造型和配色，而是试图把一种身体感受带回家中，让居住空间摆脱过度正襟危坐的姿态。雪茄空间则进一步说明，巴博罗真正关心的不是“推新款”，而是围绕特定人群的真实生活方式去设计完整体验。它与雪茄设计师、艺术家和用户共同采集需求，从沙发到柜体，从木作到面料，去回应一种此前在市场中并未被认真满足的生活场景。2020年，巴博罗艺术馆正式落成，它更像一个磁场，吸引着与巴博罗有共同价值观的人——艺术家、设计师、用户。在这里，品牌每年资助艺术家进行创作，不设限、不强求，只为让好的创意能够实现，让好的作品能够被看见。正如创始人所言，“我们希望让巴博罗变成一个相互成就的品牌。”

如果说巴博罗更像一种带有文化自觉的品牌实验，那么DOMO nature则提供了另一种更安静、也更耐看的价值路径。2004年创立于巴黎，2008年回归国内，这个品牌从一开始就选择了一条少有人走的路：它并不试图通过强烈姿态来宣告自己，而是始终把“东方当代”理解为一种长期的审美判断。这里的东方，不是符号化的元素堆叠，也不是把传统直接翻译成现代，而更接近一种关于自然、秩序、节奏与身体感知的内部尺度。它的产品往往不复杂，却总能保留一种与生活距离很近的自然感，这种自然感不是装饰性的“松弛”，而是经过选择后的克制。也正因如此，DOMO nature更像是在提醒行业：原创不一定总是以高声量出现，很多时候，它也可以是一种持续而温和的坚持，是一种不被潮流裹挟的稳定判断。

这种稳定判断对于当下行业尤其重要。今天很多品牌都在追求“被看见”，但真正困难的是如何在快速更替的审美环境中，仍然保持自己的内在坐标。DOMO nature的价值就在这里：它不靠不断制造陌生感来证明自己，而是通过持续的空间思维和生活观察，慢慢建立品牌与用户之间更深层的信任关系。某种意义上，它提供的不是“惊喜”，而是一种长期可依赖的审美秩序。本次参展的户外系列DOMO Life的“豌豆椅”，灵感源于一只豌豆形的筷子架和关于南方菜里油浸蚕豆的圆润饱满的联想。设计师将这种自然的憨态转化为一把椅子——线条圆润，坐感包容，既适配户外度假场景，又能融入室内空间。“我们从自然中感知到的美好小事物，通过设计转换成有实用价值的产品，这或许就是我们的方式。”

迪信则把这条价值路径推向了更务实的一端。它几乎以一种反风格化、反表演性的姿态告诉行业：家具首先应该服务于人的生活，而不是服务于风格标签。从1981年在香港创立至今，品牌始终拒绝追逐短暂时尚，只专注于“如何让家具真正服务于人的生活”。这背后不是保守，而是一种极其清醒的判断：用户未必能准确说出自己家里的沙发属于什么风格，但一定知道它坐起来是否舒服、用起来是否顺手。也因此，迪信的设计逻辑不是从“我想表达什么”出发，而是从“人在真实生活中会如何使用它”出发。

本次参展的餐厨空间，是这种现实主义最有说服力的体现。当许多品牌仍然在复制西式厨房的社交图景时，迪信把重点重新放回中餐的真实烹饪逻辑：中餐不是两三道菜的轻量准备，而是多人协作、火力密集、调料与工具高度复杂的系统工程。在这样的使用前提下，动线如何安排、收纳如何组织、每一个动作是否顺手，才真正决定厨房是否好用。创始人梁先生的一句“很多所谓的厨房设计，只是把西方的厨房搬到中国家庭，却没有认真思考过中餐是怎么做的”，几乎一针见血地点出了行业常见的错位。迪信的回应，并不是靠风格创新去制造区别，而是回到生活现实中，重新建立秩序。官网上“美学、力学、实用、耐用”八个字，也因此不像宣传语言，而更像一套经过时间验证的操作系统。

把巴博罗、DOMO nature和迪信并置来看，会发现它们的气质截然不同：一个更文化自觉，一个更安静内省，一个更务实现实。但它们都在做同一件事——为品牌建立一个超越产品层面的精神坐标。也正是这种坐标，让“共同体”不只是产业协作的结构问题，也成为一种价值关系：人们为什么认同一个品牌，为什么愿意长期与之相处，最终依赖的，是它是否真的提供了一种值得相信的生活判断。

当“设计共同体”被落实到具体品牌与实践层面，它所指向的便不再是一个抽象愿景，而是一种正在生成中的行业关系。有人从系统出发，重新组织设计与生活的连接；有人从制造出发，让工艺成为设计得以成立的语言；也有人从价值出发，为行业提供更长线的精神支点。

这或许正是今年CIFF广州最值得被看到的部分：它不只是把不同品牌汇聚到同一空间，更重要的是让人意识到，中国家居设计真正需要的，已不再只是更多产品、更多风格或更多话题，而是更多有效的协作。展会的角色也因此发生变化——从一个展示成果的贸易平台，逐渐转向一个促成关系、放大连接、支持行业持续生长的公共界面。