对人与机器之间交错空间的关注,在沈采本科时期的影像装置创作《Stay alone together》中能找到线索。她以床垫为媒介,塑造出一个两个“我”共同生活的空间。这是一个关于自我身份认知的作品,也映射出在科幻故事与动漫文化中成长起来的一代,在网络与生活的深入共存中,对“技术”最直观的理解。她敏锐地觉察到这种现代人的群体症候——“电子人”分身,现实中的自我与电子身份的自我,仿佛二重身,互相感知、牵连却永远无法相见。
中国著名设计师、中央美术学院设计学院讲师、立入禁止工作室联合
创始人刘治治为展览开幕发表致辞
中国著名设计师、中央美术学院设计学院讲师、立入禁止工作室联合创始人刘治治也到场祝贺并对年轻艺术家有这样的创作和机会表达感慨:“沈采的画探讨了技术的、科学的某一方向,和人所能够达到的某个技术之间的契合点;禹君的画在视觉叙事中释放能量,无论颜色还是造型,都非常让我感动。”
“沈采的作品聚合出人类完美想象之物的叠合显像,这些不同的层叠图像在时空里碰撞,产生高维度的无量拟态。”
沈采在2023-2024年完成的作品系列《几何原本》、《Ideal-eye》《飞矢不动》、《code》等作品延续了早期作品《散光》以来一以贯之的媒介,对绢本平面绘画语言保持着一种浓厚的探索兴致。不同于网络赛博虚拟空间的自由游移以及跨媒介创作所形成的丰富对话,绢制底本的柔韧和国画颜料的晕染不仅带来了一种极尽微妙的控制与手工感,更在某种程度上,将艺术家的电子“分身”拉回了对现实经验更具温度的关照之中。在更平面的语言与更雅致的表达中,沈采并没有摈弃自己在创作中对“身份”复杂性的兴趣与对真实“自我”的忠诚,她将这种基于手工制作的尝试视作“对工业化社会与技术控制论的某种对抗”。
轻薄的绢本与水性颜料绘画的层层透叠,将平面的图形切片化,使得这系列作品呈现出一种空间纵深感和时间厚度。这批同质材料语言的绘画指向了两个方向:一个是沿着个体的日常经验,将生存的深刻感知忠实记录。如同《散光》系列源自艺术家的儿时经历,自小高度散光的她一直生活在一个模糊而充满光晕的世界中,这个不甚清晰的眼前之景却正是一个“散光者”所接触到的全部真实。从2017年开始,沈采试着用创作的方式还原这个光晕笼罩的世界,一层一层地在绢制底板上切割出时间的观念,一个运动的视觉状态。大学时代深读让·鲍德里亚(Jean Baudrillard)的“拟像理论”让沈采意识到,对眼前所见世界真实性的困惑从来不是她一个人的故事,对真实与想象、现实与幻觉、存在与缺席的关照一直伴随着每一个人类自身。新作《飞矢不动》延续了这一创作动机,“飞矢不动”中的“矢”指弓箭中的“箭”,离弦之箭在空中的每一个瞬间,都是“静止”的,而观看连续瞬间所连接的那一条线,又是“运动”的。不论是被艺术史之中某个经典手势击中的瞬间,还是双手捧住脸颊抑或双手交叉于胸前的瞬间,沈采想表达的都是对世界虚幻又真实、运动又静止的一种体认。
艺术家沈采为展览开幕发表致辞
另一个方向,则是《code》、《Ideal-eye》、《几何原本》系列作品所展现出来的,基于数学思维对现实世界的一种剖析。作品中既包含了理性的数字计算公式,也保留了有温度的人工制作痕迹。现代计算机的编程思维来源于织布机的花纹编织,因而丝绸中的理性逻辑和作品里的几何计算之间也存在着潜在的关联。正方形、圆形、三角形……世界万物皆是由这些基本的几何图形构筑而成,画面中图形与图形之间的交织和碰撞经过仔细的运算,展现出一种理性之美。通过手绘的方法来绘制计算机制图,以这样的行动反思了当下人与机器、技术、科技的关系。这样的思路,在沈采最新创作的空间装置《mTagBFP2的云》中亦是如出一辙。
《mTagBFP2的云》这件作品,源自艺术家对“云尺”这一物件的偶然发现,这是一种在手工绘图中用来绘制任意弧线的制图工具,多用于服装设计领域。“云尺”这一词语的概念引发了沈采的兴趣,抽象的云朵竟然能作为具有衡量功用的“尺”,实在有趣。她在上面标记上尺的刻度,虚无缥缈、变幻莫测的“云”呈现出理性与规范的痕迹,成为了不可触碰的真实数据。同时,用生物学中的蓝色荧光蛋白(mTagBFP2,生物界最稳定、亮度极高的蓝色单体)做出荧光标记和示踪,当人们经过这件作品时,人的体温和动作将触发荧光蛋白的启动,呈现出流动的蓝光。尺度与温度、规范性与流动性之间因而构建出一层复杂多变的关系。
从少年时代透过“散光”认识世界的秘密通道,到如今思维日臻成熟后引入了一个数学的、理性的、完美的模式来剖析世界,纵观沈采近年来的创作,她始终围绕着一条脉络——对世界本原的观看与解剖。作为95后代表艺术家,沈采的绘画跨越了东西方的视角和维度,从而具有了某种“国际化”的通感经验。宇宙万物究竟是在自我想象中构建,还是造物主早已创造好了一切?当我想到她的“Ideal eye”(“理想之眼”)这一作品英文与拉康哲学中的“Ideal I”(“理想我”,即“自我”)之间谐音与意涵双关的小心机,一时忍俊不禁。不知道穿过这抹幽蓝的“理想之眼”,她是否发现了世界的真实和奥秘?
作为备受期待的新一代艺术家,沈采在艺术实践中,积极以多种媒介形式,探索人与机器之间的关系。主要研究领域为艺术中以人为主导的人机关系,并且着眼于机械性与人性之间的灰色地带,通过影像、装置等形式来建立并表达人与机器之间达成的新秩序与新关系。沈采的作品曾在中央美术学院美术馆、深圳何香凝美术馆、纽约 Sheila C. Johnson 设计中心、纽约 The Aronson and Kellen 画廊、纽约伊森·科恩艺术中心碧肯美术馆 (Ethan Cohen KuBe)、上海大丸美术馆、墨尔本 The Victorian Artist Society 等国内外美术馆、艺术机构展出,并参与入选包括2019年度⻘衿计划、英国爱丁堡计划-CAI ⻘年艺术家实验室项目、提名2023年Sovereign Asian Art Prize等国内外艺术项目。
艺术家沈采:探索世界的多层性
在这次展览中,沈采带来了一些新作品,以及一些经过时间沉淀的旧作,为观众呈现了一个独特的艺术世界。
在本次展出作品的整体创作思路方面沈采表示:“我的创作主要围绕“艺术与科技”这一方向展开,探索世界的多层性,以及静止与动态之间的转换。利用层层叠叠的形式、再结合绢本设色及亚克力,呈现出一种独特的视觉效果。同时,模仿机器的一种绘画路径,通过人力和机器的结合,来挑战人类和机器之间的一种灰色地带”。
沈采作品 ideal-eye 4 丝绸水彩 120x120cm 2023
沈采作品 code 2 丝绸水彩 60x60cm 2024
蓝色的魅力与实践
在展览现场我们看到沈采作品,大部分都是以蓝色为主色系,在谈到为何偏爱蓝色时,沈采表示:“我对蓝色还是有一定的偏爱的,也与蓝色的理性特质有关。蓝色呈现出一种神秘而冷静的氛围。符合我所要表达的艺术理念。其实我实验了很多颜料,从水彩到国画颜料,然后再到一些纺织颜料,我发现这种蓝色的通透性更好,更适合表层层叠叠的效果”。
光晕与数学的融合
本次展览的主题为“光晕”,而沈采的作品中也出现了许多圆形元素。她解释道:“这些圆形并非刻意为了符合主题而设计,而是源于数学定理。世界上所有的弧度都是圆的一部分,就像我的这幅作品《理想之眼》,我们眼睛看到的每一道这样的曲线,都是来自于圆形的一部分,但是当我用手把这样的一个通过眼睛看到正圆画出来的时候,它肯定是有一定的偏差的,而不像机器所画出来的正圆一样完美,这种偏差就像理想和现实之间存在的偏差感一样,是有距离的。
沈采作品 code 1 丝绸水彩 60x60cm 2024
沈采作品 丝绸水彩银箔 50x50cm 2024
沈采作品 软齿轮-2 丝绸水彩颜料 50x60cm 2024
根据创作需求和材料的特性进行灵活运用
在展览中,我们还看到了一些小型的综合材料作品《几何原本》,运用了多种材料进行创作,在谈到创作材料时,沈采表示:“我使用中国传统材料比较多,如丝绸、水彩、国画颜料等。像这幅作品它是在多层的丝绸上面用水彩颜料和国画颜料进行层层叠加的形式,然后还用了双层的亚克力以及一些丙烯颜料等,最终呈现出这种独特的视觉效果,这也是一种综合材料类的创作。其实,我的创作并没有局限于某一特定的材料,而是会根据创作需求和材料的特性进行灵活运用”。
未来展望:延续与创新并重
对于未来,沈采表示将继续延续这一系列的创作,并在题材、材料等方面进行创新。她认为:“艺术家需要不断地挑战自己,才能在艺术道路上走得更远。同时,我还会继续探索艺术与科技的结合”。
©沈采
©沈采
文/朱莉























